Sinfonía (del griego, syn, 'juntos'; phone, 'sonido'), en música, composición orquestal que suele constar de cuatro secciones contrastantes llamadas movimientos y, en algunas ocasiones, tiempos. La denominación se aplicó por primera vez en el siglo XVI a los interludios instrumentales de formas como la cantata, la ópera y el oratorio. Un ejemplo notable es la 'Sinfonía pastoral' del oratorio El Mesías (1742) de Georg Friedrich Händel. La sinfonía en su sentido moderno surge a comienzos del siglo XVIII.

La sinfonía es como una gran sonata para orquesta cuyo origen está en la Obertura de la ópera que tenía tres movimientos y en los experimentos instrumentales de la escuela italiana del norte, la escuela berlinesa y vienesa y la de Mannheim, que se convierten en centros de actividad sonatistica y sinfónica desde 1750 y en la que destacan compositores como Giovanni Sammartini y Johan Christian Bach. En el siglo XVIII la sinfonía adopta el uso de cuatro tiempos, siguiendo el esquema general de sonata que hemos visto:

1º Allegro;2º Adagio o Andante;
3º Minueto o Scherzo;4º Allegro finale o Rondó

LA CANTATA
Cantata, en música, composición vocal con acompañamiento instrumental. La cantata tiene su origen a principios del siglo XVII, de forma simultánea a la ópera y al oratorio. El tipo más antiguo de cantata, conocido como cantata da camera, fue compuesto para voz solista sobre un texto profano. Contenía varias secciones en formas vocales contrapuestas, como son los recitativos y las arias. Entre los compositores italianos que escribieron estas obras se incluyen Giulio Caccini, Claudio Monteverdi y Jacobo Peri. Hacia finales del siglo XVII, la cantata da camera se convirtió en una composición para dos o tres voces. Compuesta especialmente para las iglesias, esta forma se conocía como cantata da chiesa (cantata de Iglesia). Sus máximos exponentes italianos fueron Giacomo Carissimi verdadero creador del oratorio, y Alessandro Scarlatti. En Alemania, durante este periodo, la cantata da chiesa, en manos de Heinrich Schütz, Georg Philipp Telemann, Dietrich Buxtehude, Johann Sebastián Bach y otros compositores, evolucionó hacia una forma mucho más elaborada que su modelo italiano. Bach hizo de la cantata de Iglesia el centro de su producción vocal, si bien también compuso cantatas profanas como la célebre Cantata del café.

LA OPERA
Ópera, drama en el cual se canta todo o parte del diálogo y que contiene oberturas, interludios y acompañamientos instrumentales. Existen varios géneros teatrales estrechamente relacionados con la ópera, como el musical y la opereta.

PERIODOS PRECLÁSICO Y CLASICISMO DE LA OPERA:
Varios compositores intentaron, a mediados del siglo XVIII, cambiar las prácticas operísticas. Introdujeron formas distintas del da capo en las arias y fomentaron la música coral e instrumental. El compositor más importante de esta época fue el alemán Christoph Willibald Gluck. Uno de los factores que contribuyeron a la reforma de las prácticas operísticas durante el siglo XVIII fue el crecimiento de la ópera cómica, que recibía varios nombres. En Inglaterra se llamaba ballad opera, en Francia ópera comique, en Alemania Singspiel y en Italia opera buffa. Todas estas variaciones tenían un estilo más ligero que la opera seria italiana. Algunos diálogos se recitaban en lugar de cantarse y los argumentos solían tratar de gentes y lugares comunes, en lugar de personajes mitológicos. Estas características pueden verse claramente en la obra del primer maestro italiano de la ópera cómica, Giovanni Battista Pergolesi. Dado que las óperas cómicas ponían más énfasis en la naturalidad que en el talento escénico, ofrecieron la oportunidad a los compositores de óperas serias de dar más realismo a sus composiciones.

El músico que transformó la opera buffa italiana en un arte serio fue Wolfgang Amadeus Mozart, quien escribió su primera ópera, La finta semplice (1768), a los 12 años. Sus tres obras maestras en lengua italiana, Las bodas de Fígaro (1786), Don Giovanni (1787) y Così fan tutte (1790), muestran la genialidad de su caracterización musical. En Don Giovanni creó uno de los primeros grandes papeles románticos. Los singspiels de Mozart en alemán van desde el cómico El rapto del serrallo (1782), a la simbología ética de inspiración masónica de La flauta mágica (1791).

EL CONCIERTO
Concierto (género musical), composición musical, generalmente en tres movimientos, para uno o más instrumentos solistas acompañados por una orquesta. El nombre de concerto unido a la música se utilizó por vez primera en Italia en el siglo XVI, pero no se hizo habitual hasta alrededor de 1600 al comienzo del barroco. Al principio, el concierto y su adjetivo relacionado, concertato, hacían referencia a una mezcla de colores tonales instrumentales, vocales, o mixtos. Se aplicaban a una amplia variedad de piezas sagradas o profanas que utilizaban un grupo mixto de instrumentos, cantantes o de ambos. Este grupo podía ser tratado bien como un conjunto mixto unificado, bien como un conjunto de sonidos opuestos unos a otros. Este estilo concertante fue desarrollado especialmente por el compositor italiano Claudio Monteverdi, especialmente en sus libros de madrigales quinto a octavo (1605-1638). Influido parcialmente por Monteverdi, el compositor alemán Heinrich Schütz aplicó el nuevo estilo a sus trabajos sacros en alemán. Este concepto siguió vigente hasta el siglo XVIII, como puede apreciarse en las muchas cantatas sacras de Johann Sebastián Bach que llevan el título de concertos.

EL CONCIERTO CLÁSICO:
A mediados del siglo XVIII el cambio musical decisivo que significó el paso desde el barroco al clasicismo no podía dejar de afectar al concierto. Aparte del breve florecimiento de un derivado francés llamado sinfonía concertante, el concerto grosso murió y dio paso a la sinfonía, que mantuvo gran parte de sus rasgos. No obstante, el concierto para solista persistió como vehículo del virtuosismo, indispensable para los compositores que a la vez eran intérpretes de su propia obra. El piano suplantó gradualmente al violín como instrumento solista preferido. Fue el instrumento favorito tanto de Wolfgang Amadeus Mozart, quien escribió los conciertos más importantes a finales del siglo XVIII, como de Ludwig van Beethoven, cuyos cinco conciertos para piano y su único concierto para violín (1801-1811) dieron la consagración definitiva a su desarrollo.
Durante el clasicismo, el concierto creció aún más. Su estructura era el reflejo de un compromiso con la forma tradicional del ritornello, en un alarde de virtuosismo, así como de las nuevas formas y estilos desarrollados con la sinfonía. Los primeros movimientos se construían como una variante del ritornello. Tanto éste como la primera sección solista se parecían a la sección de la exposición del primer movimiento de una sinfonía. El resto del movimiento también seguía un desarrollo similar al primer movimiento de una sinfonía, pero con el solista y la orquesta tocando juntos o de forma alternada. El movimiento final era generalmente un rondó con una especie de estribillo recurrente. Los movimientos lentos quedaban menos determinados en su forma. Al igual que las sinfonías, los conciertos se convirtieron en obras grandes, con una personalidad propia y distintiva, que se interpretaban en salas de concierto públicas, delante de una gran audiencia.

HISTORIA DEL CLASICISMO
El Clasicismo se va a ver reflejado en las obras de tres grandes músicos Haydn, Mozart y uno tercero, que es clásico y romántico, Beethoven; hay otros muchos de segunda categoría a quien habría que tener en cuenta y que vivirán en las famosas escuelas: La italiana con Sammartini, Rinaldo de Capua, Jommelli; la Austriaca donde surgen los Haydn y Mozart y la de Mannhein, gran centro musical de esta época, con los Stamitz, Cramer, etc.

CONSTITUCION ORQUESTAL
En el siglo XVIII la Música instrumental adquiere una preponderancia que antes parecía reservada a la Música vocal en buena parte. Las cortes y los palacios aristocráticos fomenta ese cultivo con el concurso de músicos asalariados que constituyen orquestas privadas. La sinfonía y la música de cámara ganan solidez y prestigio. Los instrumentos a cargo de solistas muestran primores novísimos. Las formas musicales acrecientan su número a la vez que perfeccionan su calidad.
Los conjuntos instrumentales adquieren cohesión y fijeza crecientes. También aumenta el número de sus individuos. El bajo cifrado, que dejaba al clavista libertad para el relleno de las partes intermedias, va cediendo el paso a minuciosas partituras, y se escribe para cada instrumento la parte musical reservado al mismo. Todo ello iniciará el cultivo de grandes formas sinfónicas trompas y clarinetes aumentarán la plasticidad y plenitud sonoras del conjunto instrumental.

PRINCIPALES EXPONENTES SEGÚN PERIODO DE MÚSICA
Barroco
Canons and Fugues of J.S. Bach
George Frideric Handel, 1685-1759.
Johann Sebastian Bach, 1685-1750.
The Heinrich Schütz , 1585-1672.
BACH (JUAN SEBASTIÁN):
Biografía: (1685-1750). Principal representante de la música alemana del período barroco tardío, que en su tiempo gozó de la admiración pública tanto como en nuestros días, por su extremada maestría como intérprete del clavecín y perfeccionado del pianoforte (piano), así como organista.
De familia originalmente húngara, él nació en Eisenach Turingia, bajo el signo de Piscis. Su padre era un consumado violinista en la corte ducal de Eisenach. A la muerte de sus padres, quedó al cuidado de su hermano mayor, Juan Cristóbal Bach, quien era organista en Ohrdruf, y hacia 1700 a los 15 años, participaba ya en el coro de los niños pobres de la iglesia de San Miguel en Lüneburg, donde pudo familiarizarse con las sutilezas de la ejecución de teclados y de la composición musical, con el gran maestro Dietrich Buxtehude. En 1708 entró al servicio de los duques de Weimar, y su maestría ya resultaba asombrosa, y su carrera no se detuvo hasta su muerte.
Musicalmente, la creación de Juan Sebastián Bach corresponde a una etapa de transición en que se Incorporan a ella conceptos más abstractos y, al mismo tiempo, se procura tocar la afectividad profunda del hombre laico, fuera del medio religioso. Sus obras más célebres, que a muchos entendidos parecen la cumbre absoluta del arte musical, son, El Arte de la Fuga, las Variaciones Goldberg, su Doble Concierto para dos Violines y Orquesta, la Pasión Según San Mateo, los Conciertos de Brandemburgo y, por sobre todas, la Ofrenda Musical, donde su maestría alcanza a límites sobrehumanos de complejidad y belleza impecable.

CLÁSICO: Antonio Soler ;Johan Helmich Roman ;Mannheimer Schule
Tromlitz, Johann George, 1725-1805.;W. A. Mozart 1756-1791.
MOZART (WOLFANG AMADEUS):
Biografía: Compositor alemán (1756-1791). Cuentan los biógrafos, que en el transcurso del parto de uno de los hijos de Mozart, quien acostumbraba acompañar a su esposa Constanza en dicho proceso, le cogia la mano con delicadeza y le susurraba melodías en su vientre y en su oído, con la otra mano componía al mismo tiempo. Mozart tenia la capacidad holistica de ver dentro de su cerebro una composición entera, antes de escribirla. Según él “Todo está compuesto aunque no escrito todavía”. Desde los cuatro años de edad viajó por Europa como concertista de piano y violín. Como compositor destacan las óperas Don Juan, Las Bodas de Fígaro, La flauta mágica, Cosí fan tutte, 41 sinfonías, 27 conciertos para piano y otros instrumentos, sonatas, cantatas, Réquiem, Tedeum, Ave verum, etc.

ROMANTICISMO:
Alexander Nikolaievich Scriabin, 1872-1915. ;Anton Bruckner, 1824-1896.
Antonin Dvorak, 1841-1904. ;Arthur Seymour Sullivan, 1842-1900.
Beethoven, 1770-1827. ;Edvard Grieg, 1843-1907;Gábor Darvas 1911-1985.
Gustav Mahler, 1860-1911. ;Hector Berlioz, 1803-1869.
Johannes Brahms, 1833-1897. ;Richard Strauss, 1864-1949.
Richard Wagner 1813-1883.
BEETHOVEN (LUDWIG VAN):
Biografía: Célebre compositor alemán, autor de la opera Fidelio y de sonatas y sinfonías admirables. Escribió más de 300 composiciones. Al final de su vida padeció completa sordera. Nació en Bonn en 1770; murió en Viena en 1827.

Se le considera como la culminación de la llamada Escuela Clásica de Viena, y, como renovador de los conceptos de armonía, tonalidad y colorido instrumental, llevó a la perfección el género sinfónico. Entre sus particularidades técnicas, se cuenta el haber desechado el clásico ritmo de minuet por el más vigoroso del scherzo, obteniendo así contrastes emotivamente más intensos y aumentando la sonoridad y variedad de texturas en las sinfonías y música de cámara. Como músico, recibió la consideración y admiración de sus contemporáneos y él, que había comenzado a ganar el sustento de su hogar a los 16 años, terminó su vida en un confortable bienestar económico. El día de su funeral, más de 20.000 vieneses acudieron a rendirle homenaje.

IMPRESSIONISMO
Claude Debussy, 1862-1918.
Biografía: Compositor francés (1862-1918), de la, escuela impresionista. Obras: Pelleas et Mélisande, Preludio a la siesta de un fauno, Arabesques pour piano, Chansons de Bilitis, La Cathédrale, La Mer y Nocturnes, etc.

SIGLO XX
William Alwyn ;Britten Benjamin, 1913-1976. ;Elgar Edward, 1857-1934.
Paul Hindemith ; Gustav Holst ,1874-1934. ;Herbert Howells , 1892-1983.
Charles Ives, 1874-1954.; Zoltán Kodály , 1882-1967. ;Jos Kunst , 1936-1996.
Kenneth Leighton,1929-1988. ; Harry Partch ;Arnold Schoenberg, 1874-1951.
Dmitri Shostakovich ; Jean Sibelius, 1865-1957. ; Robert Simpson, 1921- .
John Philip Sousa; Ralph Vaughan Williams, 1872-1958.; Edgard Varese
Heitor Villa-Lobos, 1887-1959. ; Kurt Weill .

CONTEMPORÁNEA
David Carson Berry; Harrison Birtwistle ; John Cage ; Ronald Caltabiano
Néstor de Hollanda Cavalcanti ; Jasón Eckardt ; Morton Feldman
Matthew H. Fields; Lukas Foss ; Jeff Harrington ; Christos Hatzis
Anthony Hedges; Carlos Gomes ; Daron Aric Hagen ;Hosokawa Toshio ,
David A. Jaffe ; Reine Jonsson ; George Lloyd ; James MacMillan
Alexander Mihalic; Mark M. Moya; Frank Tveor Nordensten
Arvo Pärt, 1935- .; Douglas Quin ; Reale-Rydell ; Chris Sansom
Michael Torke; Peter Vermeersch ; Iannis Xenakis

MÚSICA DE LA NUEVA ERA (NEW AGE):

La música de la Nueva Era nació de una conciencia compartida, en acontecimientos como el festival de San Francisco en honor del Cometa Kohoutek en 1973, en muchos compositores / interpretes, que coincidían por primera vez, descubrieron que todos ellos estaban escuchando música “espacial”: Tuvimos una sensación de participar en el proceso de nacimiento de una nueva visión del sonido, de convertirnos en los instrumentos a través de los cuales esta nueva (hasta ahora no manifestada) forma de música se volvía audible, Para artistas como Joel Andrés, Iasos, el proceso fue la expresión de nuestras propias disciplinas meditativas. Otros Músicos , cuyas visiones personales se formaron a través de sus disciplinas meditativas y que contribuyeron a sentar las bases de lo que ahora llamamos Música de la Nueva Era, FUERON: Guillermo Cazenave, Kitaro, vangelis, Fernando Salazar, steven Halpern, A. Phillips, etc. Y así nació el movimiento.

Durante miles de años, la gente de todo el mundo ha honrado y reconocido el papel curador, ceremonial y elevador de la Música. Desde esta perspectiva, l Nueva Era constituye realmente el retorno a las raíces, a una creencia en el papel primordial del sonido. Como dijo Lee Underswood “La Música proporciona alimento emocional, psicológico y espiritual, Brinda paz, alegría, felicidad y la oportunidad de descubrir en nuestro interior nuestra naturaleza mas elevada” Para muchos, la Música de la Nueva Era representa una explosión de creatividad y curiosidad humana, de liberación del potencial inexplorado que cada persona lleva dentro.

LA MUSICA POPULAR(BALADAS):
Surgió de la Iglesia. Estos cantos ritmados pasan de boca en boca. Las canciones populares se desarrollaron todavía en sus inicios en ambientes Gregorianos. Se difundió rápidamente en los Siglos IX y X, la Canción de Amor con estribillo ó sin el. Las Baladas proceden de diferentes países pero las que nos Interesan en Músicoterapia son las que tienen contenidos de mensajes positivos (de paz, amor, amistad, Esperanza, perseverancia, etc.) y las formas musicales son sonidos armónicos. Las Baladas es un término que se presta a confusión, es como un cajón de sastre donde caben desde canciones del siglo IX hasta la actualidad. Entre las baladas que interesan están las de Raúl Vásquez, José Altamirano, Gian Marco del Perú y de Argentina están: Palito Ortega, Alberto Cortéz, etc. De España: José Luis Perales, Julio Iglesias, Nino Bravo, etc.. En realidad puede ser cualquiera que este de acuerdo al ISO MUSICAL del paciente.

ACTIVIDADES A REALIZAR EN EL PRIMER MÓDULO:

1)Escuche atentamente La Música de los Cantos Gregorianos (CD Nro.X) y describa las emociones que siente (puede hacer escuchar a un amigo y/ó familiar enfermo)

2)Escuche atentamente los CD Nros.I, III , VII y XII y luego haga escuchar a niños menores de 7 años y si puede a una mujer de mas de
4 meses de Gestación.

3)Escuche atentamente los CD I, II, III y IV. Escribanos sus canciones preferidas y responda por que le han gustado..

4) Escuche los CD XI de Música Cristiana… escriba las canciones que le han gustado…

TAREAS:
1.- ESCUCHE EL CD V: Describa lo que siente.
2.- ESCUCHAR EL CD XI: Que canciones le gustan..
3.- ESCUCHAR EL CD XIV: para ello acuéstese relajada y cerrando sus ojos visualice: Descríbanos lo que siente...